Español

Han sido días intensos y precipitados en general este 2020, sin embargo llegar a estar presente dentro de un programa de formación continuada no mixta con el énfasis de divulgar el quehacer y artistas de origen africano y unir a personas de la diáspora africana, hace que sea gratificante le comunión que se ha dado. Me he sentido afortunado primeramente por encontrarme con grupo de personas participantes amables, nobles y sinceras, además de mencionar que los artistas/talleristas han sido generosos en su disciplina en Africa Moment´20.

Dentro de esta experiencia rescato mucho el enfoque que ha dado cada uno de los artistas, y de cada uno y una puedo mencionar cosas loables en su práctica, como por ejemplo el hecho de iniciar el encuentro con Sello Pesa quien al compartir una serie de técnicas de composición coreográfica se han introducido aspectos sobre la toma de decisiones, un tema de suma importancia en la construcción del artista. Charlando con él debatíamos sobre la necesidad de aprender a decidir, de dotar al estudiante de arte la capacidad de decidir, siguiendo de primera mano una cuestión intuitiva, pero también buscar fundamentar aquellas decisiones para poder tener la capacidad de defenderlas. Entre otros temas rescato que dentro de nuestra comunidad racializada existen aspectos que pueden hacer mella en esta simple y sencilla intención, la decisión. Esto me ha abierto preguntas sobre ¿quien tiene el poder de decidir sobre nuestros cuerpos?, ¿la voz y el cuerpo racializado tiene la misma validez en este contexto Europeo?

Acompañado de la intervención de Sello ha venido la colaboración de Nesindano Namises, quien se ha focalizado en el aspecto identitario de nuestra voz, con ejercicios no solo de manejo de voz y respiración, sino también mediante su expresividad y el manejo de texto que viaja a través de ella. Cabe resaltar que para mi particularmente fue interesante del hecho de la continua introducción o presentación como individuo, y comentando con Nesidano le decía que me parecía interesante el hecho de la constante presentación a sí mismo/a donde el relato sobre quienes somos se va modificando. Ella misma se interesó sobre este comentario y al parecer ha sido una de las consignas que ha tomado en cuenta durante su desarrollo en las sesiones, encontrando siempre nuevas historias de nosotros mismos como personas participantes en un grupo que tiene muchas más cosas en común de lo que creemos saber. Me preguntaba que pasaría si cada día me pregunto ¿quien soy?

Sin embargo, el juego y la diversión dentro de las horas de compartir no se agotaron Mamela Nyamza siendo honesta sobre aspectos sobre la atención, nos confirma que no todas las personas tenemos que tener las mismas capacidades de concentración, en especial ella afirma que la suya es reducida, pero intensa. Esto no ha sido un arrebato de Mamela, sino que en realidad ha dejado ver que el trabajo vino de manera lúdica, pero intensa, dando gran énfasis a otras herramientas de composición que han generado nuevas partituras coreográficas, grabando con énfasis en nuestra psique las características de cada cuerpo presente durante la formación. Bety o Elisabete Fernandes desde un punto opuesto mediante las danzas caboverdianas ha introducido la comunión, la observación y sobre todo ha dejado ver que el edatarismo y maternidad han sido uno de las aspectos que aún dentro del campo de las artes vivas tienen un gran peso discriminatorio. Ha compartido parte de su emoción y experiencia al luchar con estos aspectos a los cuales los y las artistas escénicos nos enfrentamos en el campo de trabajo y la creación.

Dentro de la misma línea de las danzas de origen africano, de las cuales no me gustaría solo definir como danzas folclóricas, Trixie Munyama realizó una inmersión hacia la danza namibiana. La cual parte de una percusión a la tierra. Trixie menciona que antropológica-mente es un recurso que es interpretado como llamamiento de los ancestros. Si bien es interesante este aspecto y en contra partida a los argumentos de la danza contemporánea occidental, la danza namibiana parte invocando un pasado que respalda los cuerpos de quienes la practican. Este sesión para mi ha sido fuertemente reveladora indirectamente al momento de realizar las sesiones, donde el músico percusionista se confundía al dar las frases musicales. Munyama explicaba que el ritmo no está en quien da la música, el ritmo esta en el cuerpo. Los músicos serán quienes sigan a los cuerpos, esto de alguna manera resalta que el cuerpo retome su posición central como foco de experienciación en la danza y su trance, de manera que se despierta una atención y concentración no racional, no matemática, en pocas palabras no occidental. Esto conecta con la propuesta de Albert Khoza interesado en el manejo de una atención divergente durante lo que tanto en occidente tratan de describir mediante la inducción al trance. Este tipo de trabajo introducido por Khoza en el grupo, se ha dado nuevamente mediante el juego, el entrenamiento que se ha derivado de esto ha sido mediante elementos propios que aportaron cada persona participante, hasta llegar a crear colectivamente consignas o directrices de composición.

Por último a modo de cierre me gustaría traer la práctica que se ha realizado con Antonio Tavares, el cual desde la técnica del contact improvisation ha desarrollado una metodología que va más allá del aspecto mecanicista. Anteriormente había tenido un acercamiento esta técnica, la cual era introducida por el profesorado desde el uso de abstracto y conceptual, como el peso, el contrapeso, el soltar y muchos más….pero en esta ocasión Tavares ha dado un salto más allá o tal vez un paso adentro, me refiero al miedo. El trabajo con el miedo ha sido uno de los aspectos inherentes al cuerpo, el miedo a ser tocado, el miedo a dejarse guiar, el miedo a no controlar, el miedo a la deriva, el miedo en el cuerpo. El miedo como elemento fundamental del ser humano ha sido tratado por Antonio desde el juego, la empatía, la confianza y el consenso. Antes de querer hacer virtuosismo y entretenimiento con la contact improvisation ha vuelto a lo esencial, ya que el mismo dice: no hay danza con miedo. Pero no es posible deshacernos del miedo solo es posible negociar con él, esto me ha abierto una pregunta ¿en qué parte de mi cuerpo tengo el miedo?

Durante los diez días de encuentro han sucedido muchos aprendizajes más allá de los meramente artísticos, prácticos y creativos. Han sucedido aprendizajes a nivel político, a nivel de conciencia social y una gran empatía emocional hacia las personas que han colaborado para que esto fuese posible en este contexto europeo y blanco, especialmente en este contexto pandémico que actualmente estamos viviendo. Por que si bien el tejido cultural europeo-blanco está viviendo una crisis, con mayor estragos lo está pasando el poco tejido cultural no europeo-racializado, tanto en otros contextos, como el que se llega a concretar en espacios como en el que vivimos actualmente en Barcelona.

English

They have been intense and rushed days in general this 2020, however to be present within a program of continuous formation not mixed with the emphasis of spreading the work and artists of African origin and uniting people of the African diaspora, makes it rewarding the communion that has been given. I have felt fortunate first to meet a group of kind, noble and sincere participants and to mention that the artists/workshops have been generous in their discipline in Africa Moment´20.

Within this experience, I can rescue a lot of the focus that each of the artists has given, and of each one I can mention things that are praiseworthy in their practice, such as the fact of starting the meeting with Sello Pesa who, by sharing a series of choreographic composition techniques, has introduced aspects of decision-making, a topic of great importance in the construction of the artist. Talking with him we discussed the need to learn to decide, to give the art student the ability to decide, following first hand an intuitive question, but also to seek to support those decisions in order to have the ability to defend them. Among other issues I rescue that within our racialized community there are aspects that can make a dent in this simple and straightforward intention, the decision. This has opened up questions for me about who has the power to decide about our bodies, does the voice and the racialized body have the same validity in this European context?

Accompanying the intervention of Sello has been the collaboration of Nesindano Namises, who has focused on the identity aspect of our voice, with exercises not only in the handling of voice and breathing, but also through its expressiveness and the handling of text that travels through it. It is worth mentioning that I found particularly interesting the fact of the continuous introduction or presentation as an individual, and commenting with Nesidano I said that I found interesting the fact of the constant presentation to oneself where the story about who we are is changing. She herself was interested in this comment and it seems to have been one of the slogans that she has taken into account during her development in the sessions, always finding new stories of ourselves as participants in a group that has many more things in common than we think we know. I wondered what would happen if every day I asked myself who I was?

However, the game and fun within the hours of sharing did not stop Mamela Nyamza being honest about aspects of attention, she confirms that not all people have to have the same concentration abilities, especially she affirms that hers is reduced, but intense. This has not been an outburst of Mamela, but in fact it has let us see that the work came in a playful but intense way, giving great emphasis to other composition tools that have generated new choreographic scores, recording with emphasis in our psyche the characteristics of each body present during the training. Bety or Elisabete Fernandes from an opposite point through the Cape Verdean dances has introduced the communion, the observation and above all it has let see that the edatarism and maternity have been one of the aspects that still within the field of the alive arts have a great discriminatory weight. She has shared part of her emotion and experience in struggling with these aspects that we, the performing artists, face in the field of work and creation.

Within the same line of the dances of African origin, of which I would not like to define only as folkloric dances, Trixie Munyama made an immersion towards the Namibian dance. Which starts from a percussion to the earth. Trixie mentions that anthropology-mind is a resource that is interpreted as a call from the ancestors. Although this aspect is interesting and against the arguments of Western contemporary dance, the Namibian dance starts invoking a past that supports the bodies of those who practice it. This session for me has been strongly revealing indirectly at the time of the sessions, where the percussionist was confused when giving the musical phrases. Munyama explained that the rhythm is not in the one who gives the music, the rhythm is in the body. The musicians will be the ones who follow the bodies, this somehow emphasizes that the body regains its central position as a focus of experience in the dance and its trance, so that a non-rational, non-mathematical, in short non-Western attention and concentration is awakened. This connects with Albert Khoza’s proposal interested in the management of a divergent attention during what both in the West they try to describe through trance induction. This type of work introduced by Khoza in the group, has been given again by means of the game, the training that has been derived from this has been by means of own elements that each participant contributed, until arriving to create collectively slogans or composition guidelines.

Finally as a closing I would like to bring the practice that has been done with Antonio Tavares, who from the technique of contact improvisation has developed a methodology that goes beyond the mechanistic aspect. Previously this technique had had an approach, which was introduced by the teachers from the use of abstract and conceptual, as the weight, the counterweight, the release and many more…. but this time Tavares has taken a leap beyond or perhaps a step inside, I mean the fear. Working with fear has been one of the inherent aspects of the body, the fear of being touched, the fear of being guided, the fear of not controlling, the fear of drifting, the fear in the body. Fear as a fundamental element of the human being has been treated by Antonio from the play, empathy, confidence and consensus. Before wanting to make virtuosity and entertainment with contact improvisation he has returned to the essential, since he himself says: there is no dance with fear. But it is not possible to get rid of fear, it is only possible to negotiate with it, this has opened a question in which part of my body do I have fear?

During the ten days of the meeting, many learnings have taken place beyond the merely artistic, practical and creative ones. There has been learning at the political level, at the level of social consciousness and a great emotional empathy towards the people who have collaborated to make this possible in this European and white context, especially in this pandemic context that we are currently experiencing. Because although the European-white cultural fabric is undergoing a crisis, the little non-European-racialized cultural fabric is suffering greater damage, both in other contexts, such as the one that is coming to fruition in spaces such as the one we are currently living in Barcelona.

Portuguese

Eles têm sido dias intensos e corridos em geral neste 2020, porém estar presente dentro de um programa de formação contínua não misturado com a ênfase de divulgar o trabalho e os artistas de origem africana e unir os povos da diáspora africana, faz com que isso recompense a comunhão que tem sido dada. Senti-me afortunado por conhecer primeiro um grupo de participantes bondosos, nobres e sinceros e por mencionar que os artistas/oficinas foram generosos em sua disciplina em Africa Moment´20.

Dentro desta experiência, posso resgatar muito do foco que cada um dos artistas tem dado, e de cada um deles posso mencionar coisas que são louváveis em sua prática, como o fato de iniciar o encontro com Sello Pesa que, ao compartilhar uma série de técnicas de composição coreográfica, introduziu aspectos de tomada de decisão, um assunto de grande importância na construção do artista. Conversando com ele, discutimos a necessidade de aprender a decidir, de dar ao estudante de arte a capacidade de decidir, seguindo em primeira mão uma pergunta intuitiva, mas também de procurar apoiar essas decisões a fim de poder defendê-las. Entre outras questões, gostaria de salientar que dentro de nossa comunidade racializada há aspectos que podem fazer uma mossa nesta intenção simples e direta, a decisão. Isto me abriu questões sobre quem tem o poder de decidir sobre nossos corpos, a voz e o corpo racializado têm a mesma validade neste contexto europeu?

Acompanhando a intervenção da Sello tem sido a colaboração de Nesindano Namises, que tem se concentrado no aspecto de identidade de nossa voz, com exercícios não apenas no manuseio da voz e da respiração, mas também através de sua expressividade e do manuseio do texto que viaja através dela. Vale a pena mencionar que achei particularmente interessante o fato da introdução ou apresentação contínua como indivíduo, e comentando com Nesidano disse que achei interessante o fato da apresentação constante para si mesmo onde a história sobre quem estamos mudando. Ela mesma estava interessada neste comentário e parece que tem sido um dos slogans que ela levou em conta durante seu desenvolvimento nas sessões, sempre encontrando novas histórias de nós como participantes de um grupo que tem muito mais coisas em comum do que pensamos saber. Eu me perguntava o que aconteceria se todos os dias eu me perguntasse quem eu era?

Entretanto, o jogo e a diversão dentro das horas de compartilhamento não se esgotaram Mamela Nyamza sendo honesta sobre aspectos sobre a atenção, ela confirma que nem todas as pessoas têm que ter a mesma capacidade de concentração, especialmente ela afirma que a dela é reduzida, mas intensa. Isto não foi uma explosão de Mamela, mas na verdade mostrou que o trabalho veio de forma lúdica, mas intensa, dando grande ênfase a outras ferramentas de composição que geraram novas partituras coreográficas, registrando com ênfase em nossa psique as características de cada corpo presente durante o treinamento. Bety ou Elisabete Fernandes de um ponto oposto através das danças cabo-verdianas introduziu a comunhão, a observação e sobretudo deixou ver que o edatarismo e a maternidade têm sido um dos aspectos que mesmo dentro do campo das artes vivas têm um grande peso discriminatório. Ela compartilhou parte de sua emoção e experiência em lutar com estes aspectos que nós, artistas performáticos, enfrentamos no campo do trabalho e da criação.

Dentro da mesma linha das danças de origem africana, das quais não gostaria de definir apenas como danças folclóricas, Trixie Munyama fez uma imersão em direção à dança namibiana. Que começa de uma percussão para a terra. Trixie menciona que a mente antropológica é um recurso que é interpretado como um chamado dos ancestrais. Embora este aspecto seja interessante e contra os argumentos da dança contemporânea ocidental, a dança namibiana começa invocando um passado que apóia os corpos daqueles que a praticam. Esta sessão para mim tem sido fortemente reveladora indiretamente no momento das sessões, onde o percussionista estava confuso ao dar as frases musicais. Munyama explicou que o ritmo não está naquele que dá a música, o ritmo está no corpo. Os músicos serão os que seguem os corpos, isto de alguma forma enfatiza que o corpo recupera sua posição central como foco de experiência na dança e seu transe, de modo que uma atenção e concentração não-racional, não matemática, em suma, não-ocidental, é despertada. Isto se conecta com a proposta de Albert Khoza interessada na gestão de atenção divergente durante o que ambos no Ocidente tentam descrever através da indução de transe. Este tipo de trabalho introduzido por Khoza no grupo, foi dado novamente por meio do jogo, o treinamento que foi derivado disto foi por meio de elementos próprios que cada participante contribuiu, até chegar a criar coletivamente slogans ou diretrizes de composição.

Finalmente, gostaria de encerrar com a prática que foi realizada com Antonio Tavares, que, a partir da técnica de improvisação de contato, desenvolveu uma metodologia que vai além do aspecto mecanicista. Anteriormente esta técnica tinha tido uma abordagem, que foi introduzida pelos professores a partir do uso de abstratos e conceituais, como o peso, o contrapeso, a liberação e muito mais…. mas desta vez Tavares deu um salto além ou talvez um passo dentro, quero dizer o medo. Trabalhar com medo tem sido um dos aspectos inerentes ao corpo, o medo de ser tocado, o medo de ser guiado, o medo de não controlar, o medo de andar à deriva, o medo no corpo. O medo como elemento fundamental do ser humano tem sido tratado por Antonio do ponto de vista do jogo, empatia, confiança e consenso. Antes de querer fazer virtuosismo e entretenimento com improvisação de contato, ele voltou ao essencial, pois ele mesmo diz: não há dança com medo. Mas não é possível se livrar do medo, só é possível negociar com ele, isto abriu uma questão para mim: onde no meu corpo eu tenho medo?

Durante os dez dias do encontro, muitos aprendizados aconteceram além dos meramente artísticos, práticos e criativos. Houve um aprendizado a nível político, a nível de consciência social e uma grande empatia emocional com as pessoas que colaboraram para tornar isto possível neste contexto europeu e branco, especialmente neste contexto pandêmico que estamos vivenciando atualmente. Porque embora o tecido cultural branco europeu esteja passando por uma crise, o pequeno tecido cultural não-europeu está sofrendo maiores danos, tanto em outros contextos, como aquele que está se concretizando em espaços como o que estamos vivendo atualmente em Barcelona.